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L'artiste suisse Nicolas Party a taggé des trains et des murs à Lausanne et Genève, de 12 ans jusqu'au début de sa vingtaine. Selon un entretien publié par Swissinfo le 16 juillet 2026, il réalise aujourd'hui de grandes fresques au pastel sec appliqué directement sur les murs des salles d'exposition, et il dit précisément ce que la rue lui a appris. Pas la révolte. Un langage graphique lisible de loin, et la vitesse.

Trois grandes expositions en une seule année

Party a 45 ans et travaille dans un atelier de Red Hook, une bande étroite de Brooklyn. Selon Swissinfo, la seule année 2026 a compté trois grandes expositions : Dead Fish à la Karma Gallery de New York, Toile d’araignée chez Xavier Hufkens à Bruxelles et une présentation à Art Basel Hong Kong. Un livre rétrospectif, Murals, réunissant ses expositions depuis 2011, est paru dans la même période.

Ses images sont immédiatement reconnaissables : couleurs franches, formes simplifiées, compositions d'une clarté de symbole graphique. Il est aussi connu pour recouvrir des murs entiers de salle de ses propres fresques, puis y adosser des œuvres encadrées, transformant l'architecture du lieu en pièce temporaire.

Les trains apprennent la lisibilité, pas la révolte

Interrogé sur l'origine de sa couleur et de sa forme, Party désigne ses années de peinture dans l'espace public. De 12 ans au début de sa vingtaine, il a taggé des trains et des murs à Lausanne, Genève et alentour.

Sa façon de résumer cette période tient moins d'une esthétique que d'un ensemble de contraintes. « L'essentiel doit être visible de loin », dit-il à Swissinfo. « C'est un peu comme des logos. Il faut un langage graphique et des couleurs vives qui rendent l'image reconnaissable très vite. »

Une peinture dans la rue n'a pas de public immobile. Elle a un train en marche, une route qui défile, quelques secondes de regard. Une image qui tient dans ces conditions gagne par le contour, pas par le détail. Swissinfo observe que les portraits de Party sont frontaux et sans expression, presque iconiques, et semblent conçus pour être lus vite.

Party évoque aussi Michel Pastoureau, médiéviste et historien de la culture français dont les travaux portent sur la couleur. Pastoureau a observé que les enfants suisses grandissent entourés d'héraldique : drapeaux cantonaux, écus, armoiries. Dessous se trouve une culture visuelle bâtie sur la clarté et le symbole, absorbée sans que personne décide de l'absorber.

Trois tableaux par an

Party a étudié à la Haute école d'art et de design de Lausanne, puis s'est installé à Glasgow, où il a vécu six ans en travaillant surtout à l'huile.

Le problème était le rythme. L'huile impose les couches, le séchage, la reprise permanente. « Je faisais peut-être trois tableaux par an parce que je les reprenais sans arrêt », dit-il. « J'aimais les tableaux une fois terminés, mais le processus ne me convenait pas. J'avais le sentiment de ne pas pouvoir travailler assez vite pour vraiment progresser. »

Durant ces mêmes années, on l'invitait à réaliser des fresques directement sur les murs de galeries, à la bombe et au fusain. Ces travaux étaient provisoires, physiques, immédiats, et ont servi de contrepoids à la lenteur de l'atelier.

Un pastel de Picasso a changé la méthode

Le tournant est survenu à la Fondation Beyeler, à Bâle, où Party a découvert Tête de femme (1921), un portrait au pastel de la période post-cubiste de Picasso.

« Quelque chose a fait déclic », se souvient-il. « Je me rappelle avoir pensé : c'est exactement ce que je veux faire. » Le lendemain, il achetait des bâtons de pastel, du papier et une reproduction en carte postale de l'œuvre de Picasso.

Une part de l'attrait tenait à la limite du médium. Contrairement à l'huile, le pastel ne se corrige pas facilement : il exige d'aller droit. « Cela a restreint les possibilités et, paradoxalement, cela m'a libéré », dit-il. « D'un coup, je pouvais produire beaucoup plus. Et quand on produit davantage, on progresse plus vite parce qu'on voit plus d'échecs et plus de réussites. On expérimente plus. »

Du pastel sur un mur

La technique qui fait aujourd'hui sa signature, appliquer le pastel directement sur les murs, a commencé presque par accident. En préparant une installation pour le Hammer Museum de Los Angeles en 2016, un commissaire a suggéré au passage de remplacer le fusain par du pastel. Party jugeait l'idée techniquement impossible, mais sa curiosité l'a emporté. Le résultat a transformé sa pratique.

Le pastel est du pigment pur comprimé en bâtons. Appliqué sur des murs préparés avec une surface granuleuse, il se situe entre la craie et la fresque. À l'échelle d'une fresque, il se comporte comme aucun médium pictural classique.

« Les pigments et la texture sont très inhabituels à cette échelle », explique Party. « C'est en gros de la poussière et du pigment purs directement sur le mur. Et le processus est extrêmement rapide. Avec de la peinture, on trempe constamment les pinceaux, on mélange les couleurs, on monte et descend des échelles, on surveille les coulures. Avec le pastel, on tient simplement les bâtons dans les mains. »

C'est là que la ligne qui remonte vers la rue devient visible. Des bâtons en main, pas d'échelle, pas de temps de séchage, une grande surface couverte vite. Le matériau a changé. La façon dont le corps travaille, non.

Un répertoire étroit, repris sans cesse

Party travaille dans un registre volontairement étroit : portrait, paysage et nature morte, les motifs les plus conventionnels de la peinture occidentale. Cette convention est précisément ce qui l'intéresse, et la contrainte agit comme une forme de liberté, à la manière de Josef Albers revenant au carré ou de Giorgio Morandi à ses bouteilles.

« Pour moi, les paysages, les portraits, les fleurs, les arbres sont devenus mon langage », dit-il. « Et avec le temps j'ajoute lentement de nouvelles "familles" de sujets. Récemment je travaille sur des poissons morts, par exemple. Mais j'essaie de ne pas introduire trop de choses trop vite. Il faut du temps pour comprendre pourquoi un sujet compte pour soi. »

Beaucoup de ses expositions partent de rencontres avec des figures historiques, de Rosalba Carriera à Auguste Rodin et Camille Claudel. Il décrit la référence à un autre artiste non comme une citation mais comme une attention prolongée. « Pour moi, copier devient une manière de créer une intimité avec une œuvre. Aujourd'hui nous consommons les images très vite. On regarde quelque chose trois secondes en ligne et on passe. Mais quand on dessine ou peint quelque chose, on est forcé d'y passer du temps réel. Cela s'imprime dans l'esprit. »

De ces années sur les trains, il ne reste aucune image

Rien du travail d'adolescence de Party ne subsiste. Les trains ont été nettoyés, les murs repeints. Il reste son récit et les entretiens qui l'ont consigné.

Toute personne qui peint aujourd'hui dans l'espace public est dans la même situation. Une fois les premières œuvres disparues, il n'y a plus moyen de montrer ce que ces années contenaient. La carte Wallscape conserve les œuvres publiées avec leur localisation : la trace survit au mur. Le fil montre ce qui se peint en ce moment dans les villes.

Party dit qu'il aimerait travailler à Istanbul et en Égypte. « Honnêtement, il faudrait dix vies pour explorer toutes ces cultures correctement. »

Source : Swissinfo, 16 juillet 2026.